No sé quien fue el primero que dijo que los Beastie Boys eran los Beatles del hip hop, un concepto bastante poco original ya que los Beatles han sido una especie de metro patrón de la cultura pop desde hace más de cuatro décadas.

La comparación es un poco forzada, pero entendible. Si obviamos las enormes diferencias temporales, culturales y musicales es bien posible trazar paralelismos.

video de "Shake Your Rump" (1989) dirigido por Adam Yauch

Al igual que los Beatles, Los Beastie Boys fueron vistos en un principio par una amplia mayoría como una novedad pasajera en el mundo de la música, para convertirse luego en un fenómeno que renovó un parte importante de la cultura popular. Y de ser vistos con desconfianza y hasta desprecio pasaron a ser considerados artistas prestigiosos y respetados en los más diversos ámbitos, trascendiendo géneros musicales.

 

video de "So What Cha Want"(1992) dirigido por Adam Yauch

No voy a ser muy original tampoco en comparar al recientemente fallecido Adam Yauch también conocido como MCA con George Harrison; no solo porque el mundo es un lugar peor debido a sus ausencias, pero a la vez mejor debido a sus legados. 

Yauch como Harrison se convirtió al budismo y defendió causas sociales y espirituales sin hacer ostentación de ello, usó gran parte de su prestigio y dinero para promover y alentar a otros artistas y mantuvo un equilibrio muy saludable entre la espiritualidad y la trascendencia con un sentido del humor a prueba de balas.

Yauch fundó con sus compañeros de banda el sello Grand Royal para promover música muy distinta, y al igual que George con su Handmade Films, su cinefilia lo llevó a crear una productora cinematográfica, Oscilloscope, para financiar películas que no encontraban canales de difusión.

video de "Body Movin'" (1998) dirigido por Adam Yauch

La cinefilia de Yauch fue más allá.

Yauch personificando a su alter ego, el director suizo Nathaniel Hornblower

 

Además de dirigir documentales como  Awesome; I Fuckin' Shot That! Y Gunnin' For That#1 Spot fue uno de los artífices de la imagen icónica de los Beastie Boys en una serie de video clips que marcaron el género. Creando el alter ego de Nathaniel Hörnblowér, un excéntrico supuesto director suizo Yauch utilizó el humor, la imaginería de los años setenta, las viejas series de TV, los primeros videojuegos, el hardcore y el skate para crear una obra que perdura junto con la música que la inspiró.

video de "Intergalactic" (1998) dirigido por Adam Yauch

Los videos que acompañan la nota son un pequeñísimo resumen de su obra desde los videos clásicos de que marcaron todo un estilo con los MC’s cantándole a una cámara en el piso y las imágenes con ángulos distorsionados, tantas veces imitadas al kitch de “Body Movin” e “Intergalactic”, finalizando con el maravilloso testamento de "Make Some Noise" donde se homenajea al video de "Fight for Your Right to Party", 25 años después, que ya había incluido en la columna del año pasado sobre el trío. Allí los actores Seth Rogen, Danny McBride y Elijah Wood interpretan a los personajes del video original (o sea a los Beastie Boys) continuando con el descontrol por las calles de Nueva York. Esta es la versión de media hora llamada “Fight for Your Right Revisited” con la presencia de más estrellas que cualquier superproducción hollywoodense.

 

Hace ya tiempo vi un excelente video humorístico/musical en Saturday Night Live, que además de ser muy gracioso, mostraba a una cantante con pinta muy rara y mucha gracia que rapeaba increíblemente bien. La cantante era la invitada musical del programa de TV, así que esperé impaciente que llegara su actuación.

Fue una desilusión, Nicki Minaj (esa era la cantante) hizo un tema pop igual a miles, que no decía nada especial.

Fui escuchando otras cosas de Nicki Minaj, participaciones buenísimas como invitada en discos de Kanye West y Lyl Wayne, entre otros o su mixtape Beam Me Up Scotty. Pero cuando quise escuchar canciones de su disco debut Pink Friday, tuve la misma sensación que cuando la vi actuar en SNL. No había mucha cosa allí que diferenciara a Nicki de otros cientos de artistas R&B con buenos productores y pocas ideas.

Esa dicotomía se hace más patente en su reciente segundo disco Pink Friday: Roman Reloaded, donde hay una mitad muy buena, original y transgresora y otra totalmente predecible y aburrida.

Minaj es una muy buena cantante, pero sobretodo es una increíble rapera, dueña de un swing único y con gran personalidad. Su capacidad de meter fraseos en tiempos imposibles y su capacidad de rima es asombrosa y sabe rodearse de gente muy creativa para desarrollar su propuesta. También se rodea de gente muy talentosa que hace que otra parte de su música suene tan bien como predecible. Convertida en una gran estrella pop, Minaj parece mucho más interesada en convertirse en la próxima Rihanna que en ser la renovadora del hip hop que a veces asoma. Claro, es muy fácil criticarla, escribiendo una columna de música. Las cosas nunca son blancas o negras y el balance entre ser una artista masiva y a la vez creativa no es tan sencillo como parece.

 

Eso mismo debe pensar Azealia Banks, que puede  pasar de ser la promesa alternativa a una artista “comercial” dentro de muy poco.

Hasta ahora, hemos escuchado unas pocas canciones suyas, vía Youtube, que van desde el discotequero  “212” a una muy buena versión del tema de Interpol “Slow Hands”.

Banks ha sido muy comparada con Minaj. Es fácil ver porque: comparten un origen cultural parecido (ambas fueron a la prestigiosa escuela de arte LaGuardia en Manhattan) las dos tiene una similar dosis de swing  e inventiva a la hora de rapear y unas ganas parecidas de llevarse el mundo por delante.

Hasta ahora la diferencia es que Banks ha elegido un camino más alternativo para su música, tanto a nivel de propuesta sonora como de la gente con la que ha trabajado. Acompañándose de gente como Diplo, Jef Martens o Richard Russell en los temas que dio a conocer en la web, su disco debut que se anuncia para setiembre de este año, será producido por el británico Paul Epworth, productor de Florence and The Machine, Adele y Bloc Party.

Hay que ver si su debut que parece ser, verá la luz recién en setiembre, confirma lo muy bueno que se ha escuchado hasta ahora y sobrevive al enorme  expectativa que se ha creado alrededor suyo (por ejemplo, el año pasado la revista británica New Musical Express la nombró la personalidad más cool del año, vaya uno a  saber lo que eso signifique).

Hace muy poco Lana de Rey demostró, que es muy difícil sobrevivir al ruido generado por los medios, ya sean “alternativos” o “masivos”. Azealia parece tener el talento para correr esos riesgos.

 

No es muy común que un museo presente una retrospectiva de la música de una banda pop como si se tratara de la obra de una figura de las artes plásticas.

Esto fue lo que sucedió hace unos días en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, que tuvo como artistas residentes a Kraftwerk por una semana, haciendo un exclusivo espectáculo en vivo con proyecciones 3D repasando ocho de sus discos fundamentales.

Claro, podría decirse, con razón, que Kraftwerk no es un grupo pop cualquiera.

Puede ser que sea exagerado su titulo de padres de toda la música electrónica, pero pareciera haber un poco de Kraftwerk en gran parte de lo que se hizo desde fines de la década de 1970 para acá.

 Es difícil pensar en un grupo cuya influencia haya sido tan extendida y tan variada. La obra de Kraftwerk inspiró a gran parte de las bandas post punk británicas de los años ochenta, a la new wave que vino después, fue fundamental en el nacimiento del hip hop y sirvió de base al desarrollo de la música house y sus variantes.

Es un legado enorme, que tiene a la vez una cantidad de particularidades.

No deja de ser interesante comprobar que una de la propuestas más influyentes del rock de las ultimas tres décadas fue hecha por dos alemanes, que provienen del mundo de la música experimental más académica, con muy pocas relaciones, con el rock anglosajón.

¿Que fue lo que hizo únicos a estos alemanes? Muchas veces se dice que lo principal de Kraftwerk fue su carácter pionero al utilizar los sintetizadores y los entonces muy primitivos secuenciadores y máquinas de ritmo para hacer música pop. Es verdad, tras dos discos de música instrumental de carácter más experimental, Ralf Hütter y Florian Schneider desarrollaron en Autobahn, su tercer disco editado en 1974, una música que sin apartarse de la experimentación electrónica, tenía estructuras más definidas y -lo principal- utilizaba la voz como elemento primordial y reconocible.

La utilización de estos elementos los convirtió en pioneros sin duda, pero lo más importante fue como lo hicieron, desarrollando canciones  de una gran sencillez con temas cotidianos en sus letras y con melodías tan básicas como pegadizas. “Autobahn”, “Robots”, “Das Model” o “Radioactivity” son una buena muestra de esto.

Aunque la música popular ya había ganado su status artístico en los años sesenta, Kraftwerk colaboró trayendo nuevos elementos al ruedo. Muchas veces se habla del carácter futurista del grupo, pero en verdad gran parte de su estética viene del pasado, de las corrientes artísticas de pre guerra, del expresionismo cinematográfico alemán, del futurismo italiano y ruso, una época de oro en el arte europeo que Hütter y Schneider siempre trataron de revalorar y reciclar en su propuesta, haciendo de lo cotidiano un arte.

Por todo esto no es tan extraño que la obra de Kraftwerk haya sido objeto de una retrospectiva en uno de los museos más prestigiosos del mundo. Tampoco lo es que su música, pese a que el futuro llegó hace mucho tiempo siga siendo parte de nuestro presente.

Kraftwerk en el MOMA haciendo "Autobahn" el pasado 10 de abril.